Edvard Munch, el pintor más famoso de Noruega, en particular por el trabajo icónico “The Scream”, según los informes, tuvo problemas con la depresión y la ansiedad, y el posible trastorno bipolar. Sufrió varias tragedias importantes temprano en la vida, con su madre y su hermana muriendo de tuberculosis cuando tenía 5 y 14 años respectivamente; otro hermano murió poco después de casarse, y otra hermana luchó contra la enfermedad mental. Estos traumas afectaron claramente los temas oscuros de su trabajo durante su período artístico más conocido, con sus figuras flacas y teñidas de muerte.
La vida de Munch tiende puentes entre los cambios cataclísmicos del Victorianismo y el Modernismo, al igual que su versión única del Expresionismo. Su serie de fin de siglo más fértil y probablemente más visionaria, la serie “Frieze of Life”, describe casi caricaturescamente las ansiedades más oscuras de la psique humana. La franqueza en sí misma es una declaración devastadora; el Grito es ese ícono explosivamente literal de la angustia moderna, antes de que existieran tales expresiones literales. Lamentablemente, ha implosionado en su propio impacto; El modernismo irónico ha convertido al Grito en un “héroe” involuntariamente hilarante del nihilismo al que todos nos hemos vuelto insensibles en esta era de larga vida y una vida rápida y de fácil acceso. Pero cuando se creó el Scream por primera vez, no fue una cuestión de risa.
Una retrospectiva del MOMA sobre el trabajo de Munch, realizada en 2006, se atuvo a la cronología del desarrollo de Munch, ya que era paralela a la conciencia histórica misma. Esta narrativa de pinturas trajo nuevas percepciones que no noté cuando vi una variedad variada de sus obras maestras y dibujos en el Munch Museet y la National Gallery en Oslo, Noruega en 1996. En Oslo, el arte te impactó con su impacto fresco y colores audaces, horrores del alma y anhelos torturados. El famoso Scream original se sentó en una sala de otras pinturas aleatorias en una habitación pequeña y digna; el trabajo icónico estaba cubierto detrás de un vidrio grueso y un marco viejo. Había sido devuelto recientemente de la tierra de los ladrones y parecía aún más sofocado y atrapado detrás de las ataduras rígidas. Para no quedarse atrás, los ladrones finalmente robaron otra copia del Munch Museet en 2006, que fue recuperada dos años después.
En el espacio alto y en blanco del MOMA, las pinturas parecían extrañamente perdidas y, sin embargo, también bastante interesantes porque, una vez más, la calidad de puente de su estilo reverberaba de formas interesantes que incluso Munch nunca podría haber previsto, al igual que el destino del Grito. Hubo algunos comienzos de las técnicas impresionistas, incluso el puntillismo al estilo Seurat durante sus primeros 20 años, plácidas escenas de la ciudad victoriana y retratos pintados incluso entonces con cierta impaciencia e inestabilidad de la línea, como si el cambio de fase ya comenzara a temblar debajo de … señales establecidas. Rápidamente, en la década de 1890, su estilo característico estalló, las figuras borrosas, casi parecidas a las de Goya, se aplanaron en su propia colección de símbolos escandinavos. Escenas horripilantes, dolorosas y traumáticas de su infancia y fracasos románticos desangrados en grandes lienzos. Sombrío, místico, simbolista y totémico, pero también sorprendentemente obvio y abierto. La moderna película de terror comienza aquí con imágenes de la muerte demacrado y cara de calavera; ambas escenas verdaderas de su hermana moribunda y escenas de fantasmas y de la madre de personas al azar en ciudades, hogares rurales, bosques, sin escapatoria de la Parca. El espectro del frío y largo invierno impregna incluso los breves destellos del sol y la vida potencial en una pintura de una joven pareja de agricultores, hecha en colores del anochecer y el crepúsculo, o de una joven cantando junto a un lago iluminado por la luna. Las escenas de amor están plagadas de anhelos no correspondidos, rostros que se alejan el uno del otro. Las mujeres siempre son retratadas en varios estados figurativos; fantasmal, soñador, inocente o vampiro. Siempre son efímeros, se desvanecen, pero sus huellas son vívidas, más grandes que la vida.
Munch fue hospitalizado por un ataque de nervios alrededor de 1908. Su arte posterior a la ruptura, aunque se lo considera menos famoso y visionario que su obra del período Frieze of Life, es fascinante de observar en su evolución en el siglo XX. Los trazos se volvieron más fragmentarios, vacilantes, como si hubiera alcanzado una nueva frecuencia de energía. Los colores se volvieron notablemente más brillantes, más optimistas. Sus temas solían ser escenas más cotidianas de la naturaleza o los retratos. Pasó del agujero negro, la intensa densidad de su trágica “adolescencia” en un nuevo estado de ánimo astillado y reluciente. Sus autorretratos reflejaron este viaje, yendo más allá de intrigantes cameos oscuros en su trabajo anterior a visiones francas de sí mismo en el Infierno, y luego a interpretaciones más tranquilas, maduras y prácticas. Su último autorretrato fue su obra maestra final, un resumen de la residencia de su artista y, a su vez, toda su carrera, una habitación brillante, amarilla, estrecha y profunda, donde se encuentra en el medio, viejo pero inquebrantable, con la cabeza hacia arriba en su estilo de marca registrada, enfrentando al espectador directamente pero también moviéndose más allá, como la chica en la Voz.
De alguna manera, en medio de una intensa tristeza y muerte, y su propia lucha contra las enfermedades mentales y el alcoholismo, Munch logró sobrevivir con algo de fama como artista de larga vida, llegando incluso a desafiar la caída de la cortina nazi. La supervivencia engendra su propia declaración. Abrió la puerta a la era moderna, y en lugar de la Caja de Pandora, encontró la luz blanca de la evolución personal.
