Reflexiones sobre la 2ª Conferencia Mundial de Educación de las Artes de la UNESCO, Seúl, Corea

Siempre recordaremos la Segunda Conferencia Mundial sobre Educación Artística de la UNESCO celebrada en Seúl, Corea, como una experiencia maravillosa y estimulante, tanto profesional como personalmente. Fue un gran privilegio para nosotros participar en un evento tan dinámico y con visión de futuro y conocer a líderes en educación artística de todo el mundo. Y fue una gran alegría escuchar, ver, oler, probar y explorar las artes y artesanías coreanas. No podemos decir lo suficiente como para encomiar tanto a la organización anfitriona como a la nación anfitriona por armar un evento sobresaliente.

El objetivo declarado de la conferencia fue construir sobre el trabajo de la Primera Conferencia Mundial de Educación Artística (Lisboa, 2006) y particularmente sobre su resultado principal, la Hoja de Ruta para la Educación Artística. Esta hoja de ruta aconsejaba a los países miembros de la UNESCO explorar dos temas entrelazados que se convirtieron en el foco de la 2ª Conferencia Mundial a la que asistimos: "Artes para la sociedad, educación para la creatividad". La conferencia desarrolló varios objetivos de la UNESCO. Uno fue el Llamamiento Internacional para la Promoción de la Educación Artística y la Creatividad en la Escuela, aprobado por la Conferencia General de la UNESCO en 1999. El segundo fue explorar la paz mundial a través del arte como parte del Año Internacional 2010 de Acercamiento de las Culturas.

Más de 2000 funcionarios estatales, académicos, artistas docentes y activistas asistieron a la Conferencia de la UNESCO, proveniente de 129 (de 193) países miembros. Aquellos con los que hablamos y escuchamos estuvieron de acuerdo en que la educación artística se ve acosada en todo el mundo, su valor incomprendido o totalmente negado. Sin embargo, cómo cambiar esa situación y qué ideas y pruebas se deben tener en cuenta al hacerlo se generan muchas respuestas diferentes. Dado que las diferentes naciones enfrentan diferentes desafíos, apoyar y mantener las artes a través de la educación artística necesariamente implica muchas preocupaciones y objetivos diferentes.

A medida que absorbimos los propósitos y puntos de vista, nos dimos cuenta de que las conversaciones se estaban produciendo en dos niveles diferentes de discurso. Existían los temas nominales de la conferencia, abordados explícitamente en las charlas y los paneles de discusión, y estaban los temas secundarios, expresados ​​implícitamente en los supuestos y las actitudes de los participantes. Lo que se dijo y lo que no se dijo formaron lagunas intelectuales que reflejaron otras brechas, reales y percibidas, entre las naciones en desarrollo y las desarrolladas; entre culturas tradicionales y globales; entre el arte, por un lado, y la ciencia y la tecnología, por el otro.

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En gran medida, los participantes abordaron uno de tres puntos: el uso de la educación artística para preservar las culturas tradicionales y étnicas y fomentar la apreciación global de su diversidad global; el uso de la educación artística para sanar a las comunidades en crisis y promover el multiculturalismo sociopolítico; y el uso de la educación artística para fomentar la creatividad para las necesidades del siglo XXI. Muy pocos oradores o paneles intentaron lidiar con los tres problemas o sondear sus intersecciones. Estábamos entre ellos. Francamente, no habíamos esperado o comprendido la profundidad de la fragmentación que observamos, y no lo abordamos adecuadamente en nuestro discurso inaugural. Tenemos la oportunidad ahora, en este y en los siguientes posts, de observar de cerca algunos de estos vacíos y silencios inadvertidos.

Veremos primero la brecha entre el primer y el último problema, entre la tradición, por un lado, y la innovación, por el otro. Para muchos oradores y muchos participantes, tal vez la mayoría, la educación artística se entendió como un medio principal para preservar las culturas indígenas o tradicionales y protegerlas contra un ataque de homogeneización cultural llevado a cabo por gigantes de los medios, a menudo estadounidenses, que están abrumando al mundo con un concepto occidentalizado particular de lo que son las artes y las funciones sociales que deben realizar. Lee Dae-young, presidente del Servicio de Educación de las Artes y la Cultura de Corea señaló este punto para su nación y para muchos otros cuando dijo: "Corea debe seguir trabajando para recuperar su espíritu perdido de la cultura y las artes que se han perdido temporalmente durante el era de industrialización, democracia e informática [tecnología de la información] "(Kim Hee-sung).

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Apreciamos y valoramos este papel para la educación artística, y no solo para la preservación de formas únicas de estar en el mundo. En nuestra opinión, la preservación de las culturas tradicionales en realidad se cruza con la educación artística como un medio para fomentar la creatividad. Considere que la cultura global proporcionada por Occidente es altamente comercial y consumista, en contraste con la naturaleza altamente participativa de la mayoría de las artes indígenas. Este es un punto muy importante para nosotros, porque aquellos que crean sus propias artes, como lo hacen la mayoría de las personas en las sociedades tradicionales, no solo están creando su propia cultura, sino aprendiendo y participando en el proceso creativo a diario. Las artes de consumo, por el contrario, colocan este tipo de creatividad cotidiana en manos de unas pocas personas de élite que trabajan con corporaciones, que luego venden esas artes al resto de la sociedad. El resultado, desafortunadamente, es que aquellos que consumen la cultura sin participar en su creación se divorcian de la comprensión del proceso creativo.

Para nosotros, por lo tanto, las artes participativas y la comprensión del proceso creativo van de la mano, y donde el arte no se convierte en un producto de consumo, pierde no solo su valor intrínseco, sino también las capacidades imaginativas y creativas que impulsan la innovación en y más allá del letras. En países como Corea, donde la "creatividad" se ve como la clave para impulsar la economía, creemos que las artes tradicionales dentro de la educación artística pueden desempeñar un papel vital manteniendo y desarrollando esa imaginación múltiple.

Después de todo, como casi todos en la conferencia estuvieron de acuerdo, la educación artística implica el diálogo entre lo viejo y lo nuevo. En ese espíritu de diálogo, esperamos seguir profundizando en una cuestión importante, poco discutida, planteada por la conferencia: ¿Pueden la tradición y la innovación no solo coexistir, sino también sinergizarse para producir un progreso cultural y económico significativo? Continuará en nuestra próxima publicación.

© 2010 Michele y Robert Root-Bernstein

Referencias

Kim Hee-sung, Seúl Agenda asegura un futuro mejor para la educación artística. Korea.net. @ http://www.korea.net/detail.do?guid=47172